Une noirceur et un oxyde sixties : Des obsèques à Berlin avec Harry Palmer. Michael Caine, le cool et les espions mondains.

Des obsèques à Berlin sont la deuxième apparition (et mon aimée, de là l'élection) de l'espion mondain Harry Palmer après l'excellente (et déjà très crue dans sa trame de manipulation mentale) Ipcress (1965) de l'espoir oublié Sidney J. Furie et préalable à la néfaste et sottement paródica Le cerveau d'un milliard de dollars (1967) une courtoisie de l'hystérique Ken Russell (en déduisant la résurrection du personnage dans 90 avec les Bullet to de la télévision Beijing et le Minuit dans San Petesburgo qu'ils reprenaient à un Palmer semi-retiré) et l'une des oeuvres des sommets du cinéma d'espions pendant 60 fructifères de la guerre froide. Un contemporain d'autres exemples splendides comme Conspiration à Berlin (1966) de Michael Anderson, dans laquelle George Seagal est envoyé démanteler un groupuscule un neo-nazi tandis qu'une paranoïaque très typique du talent s'est mêlée de tout sans aucun regard par ses supérieurs dans une trame pour la méchanceté du grand écrivain Harold Pinter, Appelée pour un mort (1967), l'une sobre (et un peu plombée) un apport de Sidney Lumet en adaptant la quotidienneté obscure de l'indispensable Lui Carré, au sujet du suicide d'un agent et l'investigation postérieure chargée James Mason ou ce précipice d'à l'infamie qui est La lettre du Kremlin (1969), un travail magistral de John Huston injustement oublié et déjà commenté ici.

Le sujet dans cette occasion est plus courant que celui d'Ipcress (splendide la méticulosité minutieuse sur les reçus et les permissions bureaucratiques qu'ils dépouillent de tout charme jusqu'à la profession) et une requête simple implique Palmer avec un, apparemment, à Berlin : sortir à une (supposition) le déserteur soviétique qu'un Oskar Homolka inoubliable interprète chez un personnage amusant et prophétique qui joindra une amitié avec notre protagoniste. Mais bien sûr tout sera beaucoup plus compliqué et épais comme c'est une loi dans le genre. La narration compliquée (avec changements d'identités, des agences croisées et un or un nazi par le milieu) accuse les influences du cinéma des détectives (l'agent semble être remorqué, endurci et secoué par la trame dès un endroit jusqu'à l'autre et est utilisé sans aucun regard) et un sens de l'humour vitriolique dans sa description véridique d'un bas-fonds de la société atroce, (un démolisseur dans ce sens le personnage du chef de Palmer génialement interprété de nouveau par un Guy Doleman glacé qui taille, non les mauvaises herbes mais les fleurs de son jardin y) à dont il fait le portrait d'une manière si implacable comme avec reconnaissance dépourvu des prétentions, ce qui l'éloigne positivement des territoires si plombés comme celui de la prestigieuse L'espion qui a surgi du frió, dirigée par Martin Ritt en 1965, (nouvellement un original de John Le Carré), pour un Richard Burton terminal.

Dans tout cas il est avec cette école de films obscurs, sarcastiques et avec lucidité cruels il est avec ceux qu'il faut aligner à la création icónica du grand Michael Caine, distillé de cool authentique avec ses lunettes de pâte, son mackintosh et ce geste qui mélange une indifférence, cinísmo et une ironie, une interprétation mémorable qui a transformé l'acteur en étoile et a certifié un style interprétatif économique dans un degré suprême. Et cela parce que, bien qu'il naquît indéniablement comme un “anti-Bond” (produit également par Harry Saltzman, en vue de ne pas laisser de creux sans couvrir,) il a rien à voir avec tout type de parodie : depuis les descacharrantes des pastilles de gomme pop del Flint de James Coburn ou le Matt Helm de Doyen Martin, jusqu'aux centaines d'imitations du “cinéma bis”, avec choses comme 3-S-3 de Sergio Sollima et de Giorgio Ardison, l'OSS-17 français avec direction, entre les autres d'Andrè “Fantomas“ Hunebelle et rôle principal pour les américains Kerwin Matthews ou John Gavin, l'époque plus de desprejuicida de Chabrol et de son Tigre avec Roger Hanin, l'Istanbul triomphant 65 d'Isasi-Isasmendi ou même tu les courrais pulp de Jésus Franco et d'Eddie Constatine entre une multitude de produits et des sous-produits pleins d'effronterie et d'humour. Enfin … pour un petit panorama très recommandable l'article de Carlos Aguilar consacré au spionistico dans cette miniature excellente qui est Fait en Europe. Bien au contraire, c'est une démythification crue qu'il oppose au monde stylisé parallèle du James Bond filmique un regard sur l'espionnage où la déshumanisation règne et la trahison est la monnaie officielle. Mais, au-delà des pointages humoristiques superficiels (quand il triomphe il le fait avec un agent israélien, Ève Renzi, et il la séduit uniquement parce que cela a besoin d'une paire arriver à ses objectifs) ou même des aspects de “lutte de classes” (Palmer est un cockney ouvrier et Bond un fils d'Eaton), il oppose à deux à une typologie à un niveau beaucoup plus profond et moins évident : Bond comme machine parfaite de tuer de rampante une amoralité et le cynisme, contre un Harry Palmer (dont le nom a été inventé certes, en cherchant de plus l'un spécialement anodin, pour les films puisque dans les romans précédents de Len Deighton il manquait du même) qui n'est pas pas seulement glamour, mais, contrairement à 007 il a un code de fer éthique et une volonté rebelle; l'un des points les plus intéressants de la saga consiste en ce que le protagoniste force à être un espion grâce au chantage; Palmer est un chapardeur de peu nombreuse la monte qui paie sa condamnation en travaillant pour le MI6 et il essaie de se montrer toujours tout le desganado et provocant qui peut. Pour arrondir la parenté avec la franchise Bond le responsable de guider la direction est l'artisanal (et discret) Guy Hamilton, l'un des manufacturiers habituels de la série interminable (un exemple parfait d'idée par et pour 60 qu'il n'est jamais probablement probablement sorti de l'époque pour laquelle elle a été conçue et dans qui ses manières et esprit semblent naturels et non l'anachronisme grotesque) qui réalise ici son meilleur travail, avec une mise en scène vibrante (un exemplaire l'échange de cercueils) aidée par la photographie excellente d'Otto Heller qui s'était déjà occupé de la première remise et aussi de l'Alfie (1966) heureux de Lewis Gilbert, qui finirait par diriger aussi Bond avec peu de grâce dans l'encore sympathique Seulement est vécu deux fois (1967) et dans les unfumables L'espionne qui m'a aimé (1977) et Moonraker (1979) avec Roger Moore en se ridiculisant.

Des obsèques à Berlin (les Obsèques in Berlin)

Un directeur : Guy Hamilton

Une année : 1966

Un pays : La Grande-Bretagne

102 min.

Il photographie : Otto Heller

Une musique : Konrad Elfers

Un tiret : Evan Jones selon le roman de Len Deighton Funeral in Berlin, 1964

Je distribue : Michael Caine, Ève Renzi, Paul Hubschmid, Oskar Homolka, Guy Doleman, Hugh Burden, Rachel Gurney, Marthe Keller

Classé bajo:60's, British, Obsèques à Berlin, la Corporation d'artisans, Guy Hamilton, de I Spy, de Thriller Tagged : une action, l'Allemagne, anti-Bond, un antihéros, un assassinat, le cynisme, une ville, cool, un crime, une cruauté, déshumanisé, des espions, Funeral à Berlin, des lunettes, une guerre froide, Guy Hamilton, Harry Palmer, Harry Saltzman, l'Angleterre, une ironie, Len Deighton, une manipulation, Michael Caine, sixties, une infamie, spionistico, des tirs

Labourez You Ready To Be Heartbroken ? : Des gens de Sunset Boulevard, une cruelle farce dans Cinearchivo.

“You say yoúre so happy now
You un chien hardly un stand” Lloyd Cole et The Commotions

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Un sauvetage à travers de Cinearchivo et de son édition récente dans DVD, de l'une des plus oubliées (quand pas directement inconnues) des bijoux de 90. Perdue, peut-être par son manque absolu de concessions et d'une humeur sincère et verista qui n'invalide pas le composant symbolique et m®tatextuel.

Un cinéma d'autofiction réalisé depuis la lucidité par le Barry Primus caractéristique habituel, en débutant ici avec l'aide indispensable de Robert De Niro comme producteur, dans des fonctions de scénariste et de directeur d'une farce impudique, descacharrante et douloureuse sur les renoncements, l'échec et le suicido (physique et vital) dans les destructions de Hollywood.

Classé bajo:90's, Barry Primus, Cinearchivo, une comédie, les Gens de Sunset Boulevard, de Satire, des USA Tagged : une autofiction, Barry Primus, un cinéma, Cinearchivo, une comédie, cruel, une farce, un échec, les Gens de Sunset Boulevard, Hollywood, impudique, Martin Landau, une m®tafiction, Mistress, un pathétisme, un pessimiste, Robert De Niro, Robert Wuhl, Satire, un suicide

“Cette rose envenimée” : Le moulin des femmes en pierre. Une beauté entre des mondes, des parents désespérés, des amants fiévreux. Un petit bijou de Giorgio Ferroni

“The poisoned rose
That you gave to me
It left m'half alive
And half in ecstasy” Elvis Costello.

Le moulin des femmes en pierre (Il mulino delle donne j'ai donné pietra)

Un directeur : Giorgio Ferroni

Une année : 1960

Un pays : L'Italie / France

90 min.

Il photographie : Pier Ludovico Pavoni

Une musique : Carlo Innocenzi

Un tiret : Remigio Del Grosso, Giorgio Ferroni, Ugo Liberatore, Giorgio Stegani selon le conte de Pieter van Weigen (¿ ?) je distribue : Pierre Brice, Scilla Gabel, Wolfgang Preiss, Dany Carrel, Herbert Böhme, Liana Orfei, Marco Guglielmi, Olga Solbelli, Alberto Archetti

Le gothique italien est peut-être, une période conceptuellement dense et créatrice, la plus stimulante du fantaterror italien et malheureusement encore l'un des moins explorés ou connus pour être resté occulte sous le criard jaune additif qui lui a succédé.

Giorgio Ferroni a apporté à la splendeur de premiers 60 une pièce du calibre esthétique et la profondeur romantique - délirante de cela Le moulin des femmes en pierre et il a également collaboré au comeback bienvenu et inespéré du genre plus d'une décennie après (qu'un moment plus propice pour un genre qui traite de la mort à le filmer une fois mort comme il est déjà resté expliqué ici). Une brève résurrection qui a essayé d'infiltrer de “goticismo” l'esthétique setentera régnante (ou vice versa), poussé précisément par les créateurs originaux, Bava, Margheriti, Freda … ou lui même, qui a apporté la recouvrable La nuit des diables (1972) avec Gianni Garko et l'Agostina Belli désarmé, une adaptation de La famille Vurdalack de Alexei Tolstoi qui avait déjà servi dès une base à l'un des chapitres de la pièce excellente “baviana” Les trois visages de la peur en 1962.

Dans ce cas l'histoire n'est pas strictement d'une ultratombe, comme il était obligatoire, mais la belle, un Scilla Gabel qui est apparition pure, n'est pas totalement morte bien que son enchantement et la pulsion malsaine aimante qu'il active ne se ressentent pas par cela; mais dans un estadío intermédiaire entre la vie et la mort, atteinte d'une maladie dans au sang qui l'oblige à des transfusions constantes complètes. Une espèce de “vampira de la science” que vit un temps prêté par d'autres jeunes filles à qui il saigne un sinistre médical à son service constant auquel interprète un Herbert Böhme visqueux en recherche d'un soin permanent qui n'arrive jamais et qui lui permet de maintenir son influence insane sur un père désespéré.

Le sens de folie, de lieu impossible de veille cinématographique qui préside le film (et le genre par étendue) naît dans cette occasion, et dans ses meilleurs moments, de l'illusion du fantastique. Une récréation doublement une mise en scène pendant son bloc étonnant central, dans lequel, à un temps les personnages et le directeur mettent à un fonctionnement une fiction fantasmagorique et alucinatoria destinée tant à l'amoureux fiévreux Pierre Brice (le Winnetou mythique pour westerns romantique sur Karl May pour Rialto qui se débat ici entre le mondain et l'ultraterrain, entre le confort et l'emportement), comme à nous mêmes, explicitando sofisticadamente la propre nature de tromperie magique / irréelle du milieu.

Peu peut plus s'ajouter sans l'étriper complètement (qui n'est pas non plus cela), au-delà de recompter ses influences / références Aux crimes du musée en cire (1953) d'André De Toth (génial ce manège “des femmes en pierre” qui cachent la faute dans sa carcasse) et à la production très curieuse de Robert Baker et de Monty Berman (avec tout ce que cela signifie en ce qui concerne des goûts lugubres et grandguignolescos) Le sang du vampire (1958) de Henry Cass sous tiret du Jimmy Sangster indispensable en incorporant ce composant médical / maladif déjà présent avant dans le fundacional I vampiri (1956), une révision exceptionnelle contemporaine du mythe de la Comtesse Bathory et de la jeunesse éternelle commencée par Freda et achevée par Bava (pas moins) ou les parallélismes tonals et thématiques (l'histoire d'un père, ici un Wolfgang Preiss splendide, dégradé jusqu'au crime et la démence pour sauver une fille) avec Les yeux sans visage (1960) de Georges Franju ou de Cris dans la nuit (1961) de Jésus Franco. Et bien sûr s'émerveiller avec la pureté de son style, une planification baroque et violente qui transformera l'horreur en tragédie, avec son chromatisme presque tactile (ces vêtements symboliques jaunes et rouges que la protagoniste étrenne) ou avec le parti que Ferroni sort à la scène pratiquement unique, ce Moulin d'apparence sobre extérieure qui cache un enfer interne, une métaphore parfaite du Dr. Loren Bohlem tortueux. Un très beau film que mérite plus d'une période qui est méritante beaucoup plus.

Classé bajo:60's, l'Agent spécial (The big courbé), Le moulin des femmes en pierre, Fantastique, le gothique, Giorgio Ferroni, Corporation d'artisans, horreur, l'Italie, Mélodrame Tagged : à l'italienne, un manège, une science, un crime, une dévotion, Le moulin des femmes en pierre, Fantastique, de figures, du gothique, Giorgio Feroni, fille, une horreur, une médecine, le Mélodrame, une mort, un père, Pierre Brice, une représentation, romantique, un sang, Scilla Gabel, ultrtumba, vampirismo, Wolfgang Preiss Streaming 90210 S02E14 Girl Fight free

“Don’t you know that it’s different for girls ?” :El WIP, apogée et chute d'un sous-genre. Entre Jésus Franco, Roger Corman et Eddie Romero, 99 mujeres/Black tète, white il tète

“I know, à lot of things that you don’t
You wanna hear some ?” Joe Jackson

WIP ou Women In Prison (je ne crois pas qu'il a besoin d'une plus grande explication la terminologie), le sous-genre tordu et visqueux où ils existent. Avec les origines qui peuvent être suivies jusqu'à des bijoux comme Mädchen in Uniform (1931) de Leontine Sagan (en changeant la prison pour un internat de mesdemoiselles), je chante à la liberté et à l'amour saphique en Allemagne sur le point du nazisme ou se trouver dans de clairs précédents prestigieux comme Sans la Remise (1950), de l'artisan recouvrable John Cromwell, un drame dur social écrit par Virginia Kellogg, un an avant guinista de la sensationnelle À rouge je vis pour Raoul Walsh et cette occasion en traitant de propres expériences.

Jésus Franco lui a donné une couleur et une main de perversité et il l'a reformulé en 1968 avec ce fundacional 99 femmes … et de là il coûte en bas, mille fois pillés son les motifs (par le propre Franco le premier, bien qu'ils fussent les japonais qui ont apporté un vrai style et un délire dans des choses comme la saga “d'une femme un prisonnier” et dans des dérivés beaucoup plus fous et personnalisés), en rebondissant dès l'Europe en Amérique avec arrêt aux Philippines et de là en se précipitant de nouveau à l'Europe d'Ilsa, la louve des SS (1975), la dégradation de la dégradation ambientada, paradoxalement, dans le râle du nazisme.

99 femmes (99 women)

Un directeur : Jésus Franco

Une année : 1968

Un pays : L'Allemagne / Italie / Espagne

99 min.

Il photographie : Manuel Merino

Une musique : Bruno Nicolai

Un tiret : Milo G. Cuccia, Carlo Fadda, Jésus Franco

Je distribue : Marie Rohm, Marie Schell, Herbert Lom, Mercedes McCambridge Rosalba Neri, Elsa Montés, Luciana Paluzzi

99 femmes il suppose pas seulement, l'un des valeurs les plus satisfaisants et réussis d'entre la filmographie ingouvernable et atrabilaire du Jésus Franco torrentiel, mais il amasse une valeur historique incalculable (ou j'ai pris racine) à l'être, l'inventeur de ce sous-genre fiévreux auquel ce film octroie pas seulement une lettre de nature mais laissent établis une série d'archétypes narratifs, esthétiques et tipológicos qui comprennent du sadisme à l'erotísmo saphique, de la cruauté malsaine et pegajosamente attractive à la composition d'une galerie de personnages qui réapparaîtront machaconamente dans toutes et chaque les unes des manifestations du sujet.

Ainsi nous trouvons l'alignement complet de personnages, un échantillonnage de tragédies personnelles et des châtiments injustes d'excès brutal, tous visualisés par Franco avec mise en scène authentiquement sa c'est-à-dire très libre et l'abstraite (la violation du personnage de la Röhm), enceinte de motifs des appelants (le Neri comme danseuse érotique de garde-robe impossible) et de musique hypnotique en face de la mise en scène beaucoup plus mesurée (bien que se maintienne la stylisation formelle, dans des moments comme je les trouve érotiques entre les protagonistes visualisés avec les courts plans et les mauvaises mises au point qui décomposent les corps et l'espace) des scènes de la prison ou forestières, collées ces à ce qu'il s'attend d'une production professionnelle de bas budget.

Nous trouvons déjà l'innocente qui finira par être à la tête au groupe, au compte de l'excellente et l'habituelle du Franco de l'époque Marie Röhm (une épouse du producteur de l'invention Harry Allan Towers), l'Elisa Montés vieil expérimenté, la jeune idéaliste avec connexions un homme politique / tu révolutionnerais qu'ils feront possibles la tentative de fuite (Valentina Godoy, qui redoublerait bref avec le directeur dans La ville sans hommes), qui ne supporte pas la torture et elle succombe, une très belle Luciana Paluzzi presque comme une Janet Leigh dans la Psychose (1960) … et bien sûr le guardesa perfide interprété ici avec violation la grande Mercedes McCambridge qui se charge de faciliter une viande fraîche au gouverneur répulsif local qu'un Herbert Lom caractérisé avec quelques immortelles interprète génialement gafitas du soleil rondes, une barbe et un crâne brun et rasé qui collaborent à lui donner un aspect inoubliable de roturier de tebeo (et qui joue le rôle principal purement dans une scène sadiana d'une violation interposée et voyeurismo pervers en faisant que Rosalba Neri abuse de Marie Röhm dans l'infirmerie de la prison, en montrant ainsi ce sens de la domination à travers de la perversité sexuelle qui est trait authentique du meilleur Franco). La distribution est arrondie par une paire de caractères indispensables plus, situés les deux comme points béatifiques et malfaisants dans des lieux opposés de la balance : la fonctionnaire idéaliste qui vient à nettoyer la prison et qui s'écrasera contre un mur du pessimisme brillant typiquement franquiano et qui est à une charge, pas moins de la charmeuse Marie Schell (rappelée spécialement par son grand papier dans ce western très étranger de Delmer Daves que c'est L'arbre du pendu, 1959) et enfin il reste, la présence la plus mémorable du film, un bâton de berger pris, depredadora sexuelle, traîtresse et dangereuse (bien que parcilamente rachetée par une certaine tendresse qu'un protagoniste sent avec rapport une aile à celle que corporeiza avec son physicien irrésistible Rosalba Neri mentionnée (génial sa présentation en se plaçant quelques bas) avec son geste dur de hauteur, en volant tous et chacun des plans dans lesquels il sort et même un de ceux dans lesquels il ne sort pas.

Le résultat, au-delà de ce caractère fundacional que je rapporte au film quelques bénéfices extraordinaires (et il a rapidement ouvert la cannelle des imitations / dérivations lesquelles le même Franco reaffecterait, par exemple chez Les amants de l'île du Diable en 1972 sans aller plus loin, en dégradant la formule jusqu'à déposséder de son des attraits moins évidents et grossiers), en ressort très fait du bien par l'ampleur habituelle (dans ce qu'il tient) des productions qu'il a entreprises pour Allan Towers (entre celles-ci ses apports amusants la saga de Fu-Manchú) et spécialement des distributions splendides qu'il a maniées pendant l'époque. Tout cela met en action au bénéfice d'un resultón terminé de cómic européen d'aventures que dont l'intérieur des appelants de l'auteur logent certains des obsessions autour de la “servitude humaine”, la dégradation ou le pouvoir, tout cela achevé avec une fin inexcusablement pessimiste et desesperanzado qui exhibe le composant de jeu terrible de chasse qui a eu le bref exploit de notre héroïne.

Black tète, white il tète

Un directeur : Eddie Romero

Une année : 1973

Un pays : Les États Unis / philippins

87 min.

Il photographie : Justo Paulino

Une musique : Harry Betts

Un tiret : H.R. Christian, Joe Viola, Jonathan Demme

Je distribue : Pam Grier, Margaret Markov, Sid Haig, Lynn Borden, Zaldy Zschornak, Laurie Burton, Eddie Garcia, Alona Alegre, Dindo Fernando, Vic Diaz Tras avoir résisté à la tentation d'obtenir un titre cette description “Ébène et ivoire” et en partant de la prémisse irréfutable dont se fréquente d'un sorte de beignet seul disfrutable dans des conditions très spéciales, éclaircir que cependant il ne manque pas d'un intérêt, par deux je motive, le premier pour est l'image terminale et déformée de cela 99 femmes traité là-haut, à travers de laquel elle reste bien claire que la nature involutiva de l'exploitation et de sa vitesse fulgurante dégénérescente (entre 1969 et 1973) et dans le deuxième terme sa valeur comme pièce historique pour connaître le bref périple philippin de Roger Corman, cet homme qui voyait grandir l'herbe.

Dès que mieux commencer avec une petite histoire sur comme il est arrivé là : au début des soixante-dix Corman visite aux Philippines son ami John Ashley, mauvais acteur et le dessin de mode / chanteur ancien de 50 acquis une propriété dans le pays où avait fondé une productrice á côté du directeur, aussi méchant, Eddie Romero. Après avoir vu le kiosque prêt de rouler et de rouler de tout, Corman déplace un produto style WIP (bien qu'avec les coups de corde du blackexploitation effervescent, qui fallait bien couvrir le spectre) que Jack Hill avait comme prêt d'être filmé au Puerto Rico aux Philippines et ainsi commence tout. Hill se chargerait d'une paire de valeurs (The big doll house et The big bird cage en 1971 et 1972 respectivement) facturés d'une manière consécutive (et une accélération) et pour ceux que l'on apporterait à deux acteurs de l'écurie : Pam Grier et Sid Haig. Le résultat est un triomphe monétaire (qui est dont va tout cela) et ainsi se suit la chaîne de montage ou bien avec le tâcheron local le Pèlerin en dirigeant jusqu'à 73-74 où Corman voit que cela ou bien il décline et cherche de nouveaux horizons. De telle manière c'est l'un des derniers représentants de la production philippine de l'A.I.P, ce qui ne signifie pas, beaucoup moins que l'on ni se permettait de presser la chose, le propre Pèlerin essaierait de prolonger l'affaire en la même 1973 avec Woman Hunt, apparemment au style Le Zaroff (1932) méchant. (Semble pour tout cela très recommandable utiliser, à la manière d'une introduction le Macabre Pur de Pete Tombs, publié en Espagne en 2003 par le Cercle latin et le festival de Sitges)
Et maintenant le sujet dans si : Ce qu'il commence comme une pièce canonique de sous-genre (à la minute quatre nous les avons déjà envers tous empelotadas dans les douches tandis que l'une des gardiennes de prison on plaît en espionnant) avec ses abus et ses sadismes (très light, mais oui, bien que la boîte métallique avec celles-ci nues un dos contre espalada ait le seul son celui-là) et ses guardesas divisés par la béatifique et la compréhensive et le pervertidilla vicieux (la curieuse d'avant interprétée par la blonde Lynn Borden) dérive rapidement dans une reformulation croûteuse et despechugada de celui-là célèbre les Fugitifs (à que sont ajoutés non peu d'éléments du film de Franco) de fait prendre conscience des raclées Stanley Kramer avec Curtis et Poitier en fuyant enchaînés. Les deux parties sont presque égales de lamentables, mais la deuxième la pauvreté dévore sous tous les rapports déjà toute l'invention (dans dont le tiret Jonathan Demme l'a dérangé, comme il paraît) qu'à peine il est animé par la beauté indéniable du duo, le protagoniste (l'attention que chacune étrenne braguitas de sa couleur correspondante), la Pam Grier sonore comme une fille dure et la Margaret Markov svelte de pijilla la révolutionnaire (j'habille le résultat de cette union les deux redoublerait un an après dans le The Arena (1974) beaucoup plus fou, comme gladiadoras à un Rome inexcusablement décadent, et dans laquel certes, apparaissait Rosalba Neri comme chef malin d'esclaves. Un film raisonnablement sympathique et locatis dans ses perroneros présupposés dirigé par Steve Carver : avec aide d'Aristide Massaccesi, aka Joe D’Amato, au-delà de la photographie ? -, un signataire du despendolada Une maman sans frein en 1974 avec Angie Dickinson en prolongeant les exploits de la Maman anthologique Sanglante de 1970 mais avec beaucoup de plus de folleteo) qui organisera tout le plan de fuite pour aider son “pseudoguevariano” noviete dans ses tentatives révolutionnaires contre l'administration locale corrompue. Ce qui donne prise à un tiers final horripilant qu'il cherche à jouer vers la désillusion épique (sic).

La présence charismatique de Sid Haig reste (récupéré par Rob Zombie dans son sobrevaloradísima La maison des 1000 cadavres, 2003) dans l'un de ses personnages extravagants, dans ce cas un roturier habillé de cowboy et amoureux au country, ou une paire de moments répulsifs joués le rôle principal par Vic Díaz, est témoin un appelant de l'infracine philippin. Ainsi l'odyssée inclut une action pénible, une humeur plaisante, l'érotisme renfermé et la bagarre la plus lourde jamais filmée (ou presque) et il ne la rachète pas même, son ceporra qualité d'irredento exploit de l'exploit.

Classé bajo:60's, 70's, 99 femmes, une action, les Aventures, Black tète white une mamelle, Coproduccion, Eddie Romero, Erótika, les Philippines, Corporation d'artisans, Politique donne auteurs, des USA Tagged : 99, j'abuse, une action, l'Allemagne, des Aventures, Black tète white une mamelle, une prison, des châtiments, cómic, une cruauté, Eddie Romero, Elsa Montés, exploitation, les Philippines, gurdianas, Harry Allan Towers, Herbert Lom, une fuite, une injustice, l'Italie, Jess Franco, le lesbianisme, Luciana Paluzzi, Margaret Markov, Marie Röhm, Marie Schell, Mercedes McCambridge, des femmes, des femmes emprisonnées, Pam Grier, Sid Haig parodie, pervers, une révolution, Roger Corman, Rosalba Neri, le sadisme, sex, un sous-genre, une violation, une violence, WIP, women, women in prison Watch NCIS Los Angeles S01E18 Blood Brothers free

“Les enfants terribles” : Un vent dans les bougies. Des surfaces et des profondeurs, le cinéma brillant d'Alexander MacKendrick

Un vent dans les bougies (À high wind in la Jamaïque)

Un directeur : Alexander MacKendrick

Une année : 1965

Un pays : La grande Bretagne / États-Unis

103 min.

Il photographie : Douglas Slocombe

Une musique : Larry Adler

Un tiret : Stanley Mann, Ronald Harwood, Denis Cannan selon le roman de Richard Hughes Huracan en Jamaïque, 1929

Je distribue : Anthony Quinn, James Coburn, Deborah Baxter, Isabelle Dean, Nigel Davenport, Gert Fröbe, Lille Kedrova, Dennis Price

Si avait à choisir un seul directeur dont systématiquement racanea la catégorie “d'un classique“ ne douterait pas, il placerait immédiatement l'enseigne sur Alexander MacKendrick. L'auteur authentique de course courte et compacte qui laisse sa trace désenchantée et pessimiste, sa cruelle conception de l'être humain imprimée même dans plus apparemment des comédies bonnes, un cinéma qui est comme l'eau calmée : tu ne sais pas sa profondeur jusqu'à ce que tu te mettes à l'intérieur. Et si entre sa filmographie splendide il était obligé à signaler une seule comme résumé parfait de tout son univers, cela aurait à être,

Alexander MacKendrick et Edward G. Robinson pendant le rodage de Sammy, la fuite vers le Sud en 1963

obligatoirement, le Vent dans les bougies.

Sur MacKendrick j'ai déjà écrit ici, disons que dans le deuxième degré. Deux descriptions pour le portail Cinearchivo également consignée ici sur une paire de ses travaux pour justement légendaire (une) productrice intime Ealing : L'homme du costume blanc et la Mandy attendrissante (un film distinguable pas seulement par sa qualité exceptionnelle et humanité, mais pour présenter la première incursion dans le monde de l'enfance, contemplée toujours d'une manière qui exclut complètement la condescendance et le blandenguería sans que cela n'implique de manque de tendresse et si une compréhension profonde). Pour la maison britannique il a aussi filmé son début, délicieuse le Whisky Galore! (1949), une comédie pleine de pittoresque et de bonhomie ambientada dans un îlot qui dans pleine 2ªGM reste sans fourniture “d'eau de la sagesse” tandis qu'un cargo plein de la même coule en face de ses côtes et encore deux comédies plus : l'aussi une insulaire The Maggie (1954) et la célèbre Le quintette de la mort (1955), un film mémorable dans lequel est déjà contemplé dans toute sa splendeur l'un des sujets préférés du directeur : la capacité destructive de l'innocence. Quelque chose qui était déjà camouflé chez L'homme du costume blanc et qui prend ici l'apparence paisible d'un viejecita adorable qui décime une bande de criminels sans apprendre.

La noirceur pessimiste et sa vision négative de l'homme entreront à la bête dans son premier film américain sous les auspices du Burt Lancaster inquiet et toujours attentif qui lui produit le Chantage au Broadway (1957), un travail démolisseur, sur un tiret insondable de Clifford Odets, d'une amertume et d'une lucidité il rapproche (ou avec l'excuse) de radiographier le monde journalistique vil et les alentours de la troupe. Tony Curtis se charge du co-protagoniste répulsif qui introduit la typologie de l'arriviste sans scrupules, l'égoïste qui cherche à manipuler l'environnement à sa faveur. Bien qu'en réalité ce qu'il fait ici soit de le définir plutôt à la perfection, parce que le personnage d'Alec Guinnes dans (de nouveau) L'homme du costume blanc présente déjà des traits similaires mais vus dès une optique de cartoon humoristique et de satire vénéneuse dans le fond mais aimable sur la surface. Quelque chose de similaire à ce que MacKendrick réaliserait dans la bande qui a été ses adieux, ratée et uncomprise en son temps (et aujourd'hui encore pendant d'une révision) ne faites pas de vagues (1967), de portrait fait virer de la société américaine du triomphe, coherentemente ambientada dans l'une perpétuellement Californie exposée au soleil de belles et riches à laquel veut accéder un Tony Curtis tout cynisme.

Entre des bas de ces travaux ils s'incrustent (en plus de quelques travaux sans accréditer et un autre avorté) deux films d'aventures infantiles, Sammy, une fuite vers le sud (1963) que je regrette de ne pas avoir vu et qui dispose de l'Edward G. Robinson toujours grand et de cette pièce clef qui est Vent dans les bougies.

Et ainsi nous lui arrivons, mais elle, avant de commencer à décrire un peu, il est obligatoire de manifester la relation étrangère d'indifférence que MacKendrick, un homme cela dit extrêmement modeste que se poussait toujours une importance si le même et à son travail un peu à la manière de Mario Bava, il sentait à l'égard de ce chef-d'oeuvre. Dans un entretien fantastique réalisé en 1988 par Antonio Castro dans la revue Dirigé par … (aimablement proportionnée par Christian Aguilera, qui je remercie infiniment pour cela et qui peut être lu aussi dans les Regards de Cinéma) le directeur fait comprendre, avec une crudité extrême, sa considération de film manqué et même frustrant après être éloigné du projet qu'il avait originellement dans un esprit (et qu'il a eu pendant beaucoup d'années, puisqu'il a essayé pendant 15 de porter au cinéma le roman excellent de Richard Hughes), dans qui le centre narratif, le point de vue qui guidait le spectateur était exclusivement celui des enfants, au lieu de se déplacer vers le personnage de Coburn qui est celui qui contemple les faits "du dehors". Ce projet que selon ses propres mots Zanuck, qui était le producteur principal, jamais il ne les avait laissé ne filmer a été même découpé sur la table de montage un prologue étant extirpé, celui qu'il se rendait compte de la vie des enfants dans l'île (l'une des meilleures parties du roman, certes que son curieux montre l'état, entre la civilisation et la sauvagerie et sa relation avec ses esclaves, ses parents et spécialement l'expérience de la mort, quelque chose qu'un pirate postérieur répétera un point par point dans son odyssée). Bien sûr si le résultat est impressionnant comme il est resté, il ébranle penser voir dans ce qui avait pu être un film auquel un critique de time Magazine a défini au moment de sa première comme ”… Shirley Temple chanter une chanson joyeuse dans un bateau tandis qu'il écorche à un chiot”.

Cette phrase sur la Shirley candide définit avec humour de punch line le viscère gauche d'un film qui joue à la légèreté générique et au poison sucré tandis que le desmitificador exhibe atrocement le crépuscule d'un genre et d'un temps avec l'aspect joyeux d'une cruelle fable (il n'est pas gratuit détaillez des roturiers en assaillant des travestis le bateau dans lequel voyagent les enfants). Un conte pour des adultes riche en détails malsains (les petits en jouant avec la tête de la figure du mascaron de prou tandis que les pirates restent terrorisés, …) et les relations étrangères qui fondent / confondent l'amour, l'obsession et la fascination mutuelle, dans un lattis complexe conceptuel et dramatique qui tourne un environnement à l'échange de rôles, au pouvoir et spécialement à cette capacité destructive de l'innocence déjà rapportée avant. Une subversion qui laisse la capacité de réaction invalidée devant la catastrophe imminente et que corporeiza dans cette occasion dans cette vision personalísima de l'univers infantile qui n'admet plus rien que la vérité et qui est obtenue (et ici m'"intertextualizo" au même) avec une simplicité qu'il mélange de l'observation et de la compréhension profonde, de laquelle naît une capacité de pénétration psychologique et d'une sensibilité étonnante, propice pour récréer et transmettre une mentalité infantile sans commettre un adultère. Avec toute sa forme complexe, sa logique absurde et sa beauté crue. Un triomphe actuellement seul comparable avec l'enseignement primaire de Hayao Miyazaki, spécialement dans la pureté émouvante de ce chef-d'oeuvre qui est Mon voisin Totoro (1988). L'auteur ne traite pas les enfants comme des adultes, ni comment à des idiots. Il les traite comme à des enfants. Sa chambre obéit les préceptes de John Ford; il se place à la hauteur du regard. Il les encadre depuis le même plan, physique et moral / intellectuel. Ainsi les lignes entre le bien et mal sont extrêmement diffuses et la conscience, plus au milieu d'une atmosphère semblable de barbarie et d'aventure, il tend à disparaître substituée par valeurs bien différentes, en se reproduisant sur la couverture du bateau la même dichotomie entre la sauvagerie et la civilisation qu'ils expérimentaient dans l'île mais avec la différence de l'absence du contre-pas parental. D'une manière égale la mort sera un élément fondamental du voyage, tant la réelle (l'un des frères mourra accidentellement et le destin des captores est fatalement scellé) comme symbolique.

Mais bien sûr toute cette charge puissante se maintient comme un substratum enrichissant et sibilinamente attrapé sous son aspect joueur, sa beauté formelle propre et simple, sa direction vibrante, sa bande sonore magnifique et quelques grandes interprétations de sa sensationnelle distribution, spécialement d'un Anthony Quinn, infantile et vaincu, et un turbadora Deborah Baxter de présence inquiétante et magnétique, en même temps déshéritée et implacable. Le film émouvant, sincère et pénétrant qui se ferme avec l'une des fins les plus brutales de l'histoire du cinéma, violent dans son manque de pitié.

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