“Les enfants terribles” : Un vent dans les bougies. Des surfaces et des profondeurs, le cinéma brillant d'Alexander MacKendrick

Un vent dans les bougies (À high wind in la Jamaïque)

Un directeur : Alexander MacKendrick

Une année : 1965

Un pays : La grande Bretagne / États-Unis

103 min.

Il photographie : Douglas Slocombe

Une musique : Larry Adler

Un tiret : Stanley Mann, Ronald Harwood, Denis Cannan selon le roman de Richard Hughes Huracan en Jamaïque, 1929

Je distribue : Anthony Quinn, James Coburn, Deborah Baxter, Isabelle Dean, Nigel Davenport, Gert Fröbe, Lille Kedrova, Dennis Price

Si avait à choisir un seul directeur dont systématiquement racanea la catégorie “d'un classique“ ne douterait pas, il placerait immédiatement l'enseigne sur Alexander MacKendrick. L'auteur authentique de course courte et compacte qui laisse sa trace désenchantée et pessimiste, sa cruelle conception de l'être humain imprimée même dans plus apparemment des comédies bonnes, un cinéma qui est comme l'eau calmée : tu ne sais pas sa profondeur jusqu'à ce que tu te mettes à l'intérieur. Et si entre sa filmographie splendide il était obligé à signaler une seule comme résumé parfait de tout son univers, cela aurait à être,

Alexander MacKendrick et Edward G. Robinson pendant le rodage de Sammy, la fuite vers le Sud en 1963

obligatoirement, le Vent dans les bougies.

Sur MacKendrick j'ai déjà écrit ici, disons que dans le deuxième degré. Deux descriptions pour le portail Cinearchivo également consignée ici sur une paire de ses travaux pour justement légendaire (une) productrice intime Ealing : L'homme du costume blanc et la Mandy attendrissante (un film distinguable pas seulement par sa qualité exceptionnelle et humanité, mais pour présenter la première incursion dans le monde de l'enfance, contemplée toujours d'une manière qui exclut complètement la condescendance et le blandenguería sans que cela n'implique de manque de tendresse et si une compréhension profonde). Pour la maison britannique il a aussi filmé son début, délicieuse le Whisky Galore! (1949), une comédie pleine de pittoresque et de bonhomie ambientada dans un îlot qui dans pleine 2ªGM reste sans fourniture “d'eau de la sagesse” tandis qu'un cargo plein de la même coule en face de ses côtes et encore deux comédies plus : l'aussi une insulaire The Maggie (1954) et la célèbre Le quintette de la mort (1955), un film mémorable dans lequel est déjà contemplé dans toute sa splendeur l'un des sujets préférés du directeur : la capacité destructive de l'innocence. Quelque chose qui était déjà camouflé chez L'homme du costume blanc et qui prend ici l'apparence paisible d'un viejecita adorable qui décime une bande de criminels sans apprendre.

La noirceur pessimiste et sa vision négative de l'homme entreront à la bête dans son premier film américain sous les auspices du Burt Lancaster inquiet et toujours attentif qui lui produit le Chantage au Broadway (1957), un travail démolisseur, sur un tiret insondable de Clifford Odets, d'une amertume et d'une lucidité il rapproche (ou avec l'excuse) de radiographier le monde journalistique vil et les alentours de la troupe. Tony Curtis se charge du co-protagoniste répulsif qui introduit la typologie de l'arriviste sans scrupules, l'égoïste qui cherche à manipuler l'environnement à sa faveur. Bien qu'en réalité ce qu'il fait ici soit de le définir plutôt à la perfection, parce que le personnage d'Alec Guinnes dans (de nouveau) L'homme du costume blanc présente déjà des traits similaires mais vus dès une optique de cartoon humoristique et de satire vénéneuse dans le fond mais aimable sur la surface. Quelque chose de similaire à ce que MacKendrick réaliserait dans la bande qui a été ses adieux, ratée et uncomprise en son temps (et aujourd'hui encore pendant d'une révision) ne faites pas de vagues (1967), de portrait fait virer de la société américaine du triomphe, coherentemente ambientada dans l'une perpétuellement Californie exposée au soleil de belles et riches à laquel veut accéder un Tony Curtis tout cynisme.

Entre des bas de ces travaux ils s'incrustent (en plus de quelques travaux sans accréditer et un autre avorté) deux films d'aventures infantiles, Sammy, une fuite vers le sud (1963) que je regrette de ne pas avoir vu et qui dispose de l'Edward G. Robinson toujours grand et de cette pièce clef qui est Vent dans les bougies.

Et ainsi nous lui arrivons, mais elle, avant de commencer à décrire un peu, il est obligatoire de manifester la relation étrangère d'indifférence que MacKendrick, un homme cela dit extrêmement modeste que se poussait toujours une importance si le même et à son travail un peu à la manière de Mario Bava, il sentait à l'égard de ce chef-d'oeuvre. Dans un entretien fantastique réalisé en 1988 par Antonio Castro dans la revue Dirigé par … (aimablement proportionnée par Christian Aguilera, qui je remercie infiniment pour cela et qui peut être lu aussi dans les Regards de Cinéma) le directeur fait comprendre, avec une crudité extrême, sa considération de film manqué et même frustrant après être éloigné du projet qu'il avait originellement dans un esprit (et qu'il a eu pendant beaucoup d'années, puisqu'il a essayé pendant 15 de porter au cinéma le roman excellent de Richard Hughes), dans qui le centre narratif, le point de vue qui guidait le spectateur était exclusivement celui des enfants, au lieu de se déplacer vers le personnage de Coburn qui est celui qui contemple les faits "du dehors". Ce projet que selon ses propres mots Zanuck, qui était le producteur principal, jamais il ne les avait laissé ne filmer a été même découpé sur la table de montage un prologue étant extirpé, celui qu'il se rendait compte de la vie des enfants dans l'île (l'une des meilleures parties du roman, certes que son curieux montre l'état, entre la civilisation et la sauvagerie et sa relation avec ses esclaves, ses parents et spécialement l'expérience de la mort, quelque chose qu'un pirate postérieur répétera un point par point dans son odyssée). Bien sûr si le résultat est impressionnant comme il est resté, il ébranle penser voir dans ce qui avait pu être un film auquel un critique de time Magazine a défini au moment de sa première comme ”… Shirley Temple chanter une chanson joyeuse dans un bateau tandis qu'il écorche à un chiot”.

Cette phrase sur la Shirley candide définit avec humour de punch line le viscère gauche d'un film qui joue à la légèreté générique et au poison sucré tandis que le desmitificador exhibe atrocement le crépuscule d'un genre et d'un temps avec l'aspect joyeux d'une cruelle fable (il n'est pas gratuit détaillez des roturiers en assaillant des travestis le bateau dans lequel voyagent les enfants). Un conte pour des adultes riche en détails malsains (les petits en jouant avec la tête de la figure du mascaron de prou tandis que les pirates restent terrorisés, …) et les relations étrangères qui fondent / confondent l'amour, l'obsession et la fascination mutuelle, dans un lattis complexe conceptuel et dramatique qui tourne un environnement à l'échange de rôles, au pouvoir et spécialement à cette capacité destructive de l'innocence déjà rapportée avant. Une subversion qui laisse la capacité de réaction invalidée devant la catastrophe imminente et que corporeiza dans cette occasion dans cette vision personalísima de l'univers infantile qui n'admet plus rien que la vérité et qui est obtenue (et ici m'"intertextualizo" au même) avec une simplicité qu'il mélange de l'observation et de la compréhension profonde, de laquelle naît une capacité de pénétration psychologique et d'une sensibilité étonnante, propice pour récréer et transmettre une mentalité infantile sans commettre un adultère. Avec toute sa forme complexe, sa logique absurde et sa beauté crue. Un triomphe actuellement seul comparable avec l'enseignement primaire de Hayao Miyazaki, spécialement dans la pureté émouvante de ce chef-d'oeuvre qui est Mon voisin Totoro (1988). L'auteur ne traite pas les enfants comme des adultes, ni comment à des idiots. Il les traite comme à des enfants. Sa chambre obéit les préceptes de John Ford; il se place à la hauteur du regard. Il les encadre depuis le même plan, physique et moral / intellectuel. Ainsi les lignes entre le bien et mal sont extrêmement diffuses et la conscience, plus au milieu d'une atmosphère semblable de barbarie et d'aventure, il tend à disparaître substituée par valeurs bien différentes, en se reproduisant sur la couverture du bateau la même dichotomie entre la sauvagerie et la civilisation qu'ils expérimentaient dans l'île mais avec la différence de l'absence du contre-pas parental. D'une manière égale la mort sera un élément fondamental du voyage, tant la réelle (l'un des frères mourra accidentellement et le destin des captores est fatalement scellé) comme symbolique.

Mais bien sûr toute cette charge puissante se maintient comme un substratum enrichissant et sibilinamente attrapé sous son aspect joueur, sa beauté formelle propre et simple, sa direction vibrante, sa bande sonore magnifique et quelques grandes interprétations de sa sensationnelle distribution, spécialement d'un Anthony Quinn, infantile et vaincu, et un turbadora Deborah Baxter de présence inquiétante et magnétique, en même temps déshéritée et implacable. Le film émouvant, sincère et pénétrant qui se ferme avec l'une des fins les plus brutales de l'histoire du cinéma, violent dans son manque de pitié.

Classé bajo:60's, Alexander Mackendrick, des Aventures, British, Corporation d'artisans, Politique donne auteurs, le Vent dans les bougies Tagged : Alexander Mackendrick, Anthony Quinn, auteur, Aventuras, un bateau, une bonté, une civilisation, des comédies, une cruauté, un conte, Deborah Baxter, un désenchantement, desmitificador, destructive, une domination, Ealing, une fausseté, High wind in la Jamaïque, une enfance, une innocence, James Coburn, une méchanceté, une manipulation, une mer, une mort, des enfants, un coucher du soleil, des parents, pervers, des pirates, un pouvoir, Richard Hughes, des rôles, une sauvagerie, une séquestration, le Vent dans les bougies